INTERPRETES FAMOSOS

CRISTIAN LINDBERG
Músico, compositor y conductor sueco, considerado el solista número uno de trombón del mundo. Nacido en una familia de artistas, estudió piano con diez años y más tarde trompeta y cello. Con 17 años empezó a tocar el trombón, primero con la orquesta de la Opera Real Sueca y a partir de 1983 en solitario. Ha perfeccionado su instrumento en Londres y Los Angeles. En sus conciertos aborda la teatralidad y en numerosas ocasiones se cubre con vestimentas que tengan algo que ver con la composición que ejecuta. Por ejemplo para interpretar la obra deJan Sandström, Motorbike Odyssey, se vistió como roquero, y la Sequenza V de Luciano Berio, de payaso. Sus interpretaciones están llenas de sorpresas, que deben ser no sólo escuchadas sino vistas. Gracias a Christian Lindberg el trombón ha sido finalmente considerado como un instrumento de expresión masiva. Casi 80 composiciones están dedicadas a él.

CRISTIAN LINDBERG

A mayoría de los trombonistas tocan una variedad de estilos en una variedad de escenarios. Aún, algunos se han hecho de reputación en las mejores orquestas del mundo. Joseph Alessi, por ejemplo, dejó su marca como el trombonista principal para la New York Philharmonic. Obtuvo el galardón de la International Trombone Association por su maestría con el instrumento. Adicional a sus tareas de orquesta, Alessi se distinguió como educador y solista. Toby Oft fue el trombonista veterano para la Boston Symphony Orchestra en el 2011. Antes de participar con la BSO, Oft tocó en varias orquestas americanas y enseñó en clases de primer nivel. 

JHOSEP ALESSI

Las bandas de concierto, o que tocan principalmente instrumentos de boquilla o de cobre, son ahora más comunes en las escuelas y universidades que en los círculos profesionales. En el tiempo que dominaron los escenarios profesionales, sus secciones de trombón impulsaron a muchos de los mejores músicos que se podía encontrar. Uno de ellos fue Arthur Pryor, quien tocó para el legendario John Phillip Sousa.Pryor poseía una técnica envidiable y una agilidad que rivalizaba con cualquier otro instrumentista de viento. Esto fue, y sigue siendo, un enorme mérito para un trombonista. De hecho, Sousa presentaba a Pryor en solos rápidos y fluctuantes sólo para presumir de él. Pryor también sirvió como aprendiz de conductor de Sousa. Nick Hudson siguió los pasos de Pryor. Comenzando con las bandas del Salvation Army en el Reino Unido, Hudson tocó en muchas bandas a lo largo de Gran Bretaña y los Estados Unidos. Desde el 2011 se le reconoció en los círculos del trombón por su facilidad técnica.

Arthur Pryor

Una plática sobre trombonistas del jazz debe comenzar con los respetos hacia Glenn Miller y Tommy Dorsey. Aunque eran trombonistas de primera calidad por si solos, ambos lidereaban bandas grandes que hicieron historia durante la era del swing de los 30 y 40, con arreglos de instrumentación únicos. Conforme el jazz tomó cualidades más progresivas, Frank Rosolino se convirtió en el trombonista que representó la nueva era. Rosolino, quien pasó gran parte de su carrera con la innovadora Stan Kenton Orchestra, grabó numerosos álbumes que contribuyeron a la cimentación de Kenton en el mundo del jazz. Rosolino también tocó con Quincy Jones. La manera de tocar de Bill Watrous se marcó por un tono suave y una agilidad técnica asombrosa. Después de haber fundado su propia banda en los años 70, Watrous desarrolló una reputación de hacer sonidos poco usuales con su instrumento. Estos sonidos se convirtieron en su marca personal dentro de sus solos e improvisaciones.

Frank Rosolino

Las filas de trombonistas en el rock son muy cortas. Sin embargo, algunos músicos se han liberado a si mismos de las reglas de los otros géneros musicales. Bonerama es un grupo de trombonistas unidos a finales de los años 90 por Mark Mullins y Craig Klein. Bonerama publicita su estilo como “New Orleans Brass Funk Rock". Básicamente un grupo viajero de espectáculos locales, en el 2005, la revista Rolling Stone aclamó a Bonerama por su estilo innovador.

Craig Klein

Partes del trombon

Enfermedades que puede generar

Para los músicos, las lesiones y enfermedades no nos son unas desconocidas. Algunas de ellas nos pueden dejar fuera de juego. Es por ello que insisto en la prevención, porque tu carrera es algo muy serio, que puedes echar a perder sólo por llevar a cabo malas prácticas.

Hoy vamos a hablar de una de estas enfermedades: la distonía focal. Antes de empezar, quiero recomendaros que leáis LA REBELIÓN DEL CUERPO. Entendiendo la distonía focal del músico. La distonía focal es una enfermedad grave, y si la sufres, lo mejor es estar lo más informado posible.

Para empezar, vamos a ponernos un poquito científicos e intentar entender en qué consiste. Una distonía focal es una enfermedad neurológica. Esta enfermedad provoca contracciones y movimientos involuntarios de un grupo de músculos concreto. En el caso de los músicos, la distonía se produce en las manos o los dedos. Los músculos se contraen fuertemente en el momento de tocar y paran de realizar estos movimientos involuntarios cuando dejamos el instrumento. No todo el músico que sufre distonía la sufre en el mismo grado. La distonía focal en los músicos se desarrolla en la edad adulta, con lo que puede empezar de manera muy leve, mejorar, empeorar, y quizás hasta desaparecer.

Las causas de la distonía focal no se conocen al 100%, pero se piensan que son ambientales y por trabajo, ya que la distonía focal suele aparecer en personas que realizan movimientos de alta precisión (además de músicos, escritores, ingeniero, arquitectos…).

¿Qué hacer?

La distonía focal es una enfermedad de la que se conoce poco y sobre la que se continúa investigando. Por ello, es fácil que vayas al médico con un problema de distonía y te encuentres que nunca ha tratado un caso parecido. Lo más recomendable es dirigirse a un neurólogo, si es posible que esté especializado en dificultades motoras.

El tratamiento que más se aplica en estos casos es la inyección de toxina botulínica o bótox directamente en la zona. Los efectos secundarios pueden ser muy variados, pero los resultados son bastante buenos, aunque su efecto es temporal, con lo que hay que inyectarse periódicamente (cada tres o cuatro meses).

Como en todas las enfermedades, es muy importante “cómo se lo toma uno”. Sobre ello, el Dr. David Marsden aconseja:

“Tu actitud ante esta enfermedad será uno de los más importantes factores que deciden cómo te afecta. La Distonía no te matará pero si permites que te derrumbre, puede estropear tu vida. Es completamente natural, cuando comprendes la naturaleza de tu enfermedad que pases por estados de ansiedad, desesperación y depresión, y después aceptación. Esta evolución lleva tiempo, pero tú debes trabajar positivamente para llegar al estado final de aceptación, tan lejos como sea posible del hecho de tu enfermedad y viendo lo que hay a tu alrededor. Habla con tu familia y con tu médico acerca de estos problemas”.

Encontramos en un caso práctico el mejor ejemplo. El pianista Leon Fleisher sufría distonía focal en los dedos cuarto y quinto de su mano derecha. El problema se le hizo tan grande y grave a nivel psicológico que casi hunde su carrera y su vida, incluso llegando a pensar en el suicidio. Su estrategia frente a la enfermedad fue entregarse a los campos que no había explotado hasta el momento. Trabajó repertorio sólo de mano izquierda y se centró en la enseñanza. Esta actitud es encomiable: se trata de afrontar el problema por otras vías y de no cerrarse en banda.

Y qué no hacer…

Lo peor que puedes hacer en el caso de tener distonía focal es machacarte estudiando más, pensando que así reeducarás tus músculos. Ésta seguramente ha sido una de las causas de la enfermedad y probablemente hará que empeore. A veces los músicos somos muy cabezones, negamos nuestras lesiones y dolores, tocamos con ellos y nos sentimos mal sólo por tomarnos un descanso. Hay que vencer esos pensamientos de “súper-responsabilidad” que nos hacen daño y ponerle remedio a la enfermedad con ayuda de un médico y de nuestros seres queridos.

Otra mala idea, ocultar qué nos ocurre, avergonzarnos o querer taparlo. A un músico le cuesta mucho admitir que ya no toca como hace unos años, que tiene un problema, aunque éste sea médico. Especialmente a aquellos que se han hecho un nombre en la música. Un gran paso para enfrentar una enfermedad grave como la distonía es contarlo, ser natural con el problema y no darle más importancia de la que se merece. La vida sigue, y hay muchos caminos que un músico puede tomar sin tener que renunciar a su pasión.

¿Cómo prevenir?

Como una de las posibles causas de la distonía focal es el trabajo preciso y continuado, lo mejor para prevenir que ocurra es controlar la manera de estudiar y los tiempos. Los movimientos repetitivos son muy dañinos si se hacen de manera continuada. Lo importante es no forzar y hacer que las sesiones de estudio sean variadas y que no se limiten a la mera repetición.

Schumann y su distonía focal:

Schumann fue un gran compositor y pianista, pero también hay que decir que un poquito bruto. Ideó diversos aparatos para conseguir fuerza y precisión en sus dedos, entre ellos un teclado portátil que se colgaba del cuello o un aparato que colgaba del techo y le obligaba a hacer mayores esfuerzos con sus dedos anular y meñique. Todo esto sólo le llevó a provocarse una distonía focal en ambos dedos. Según cuentan, lloró durante días

“Toda la música está completa y viva dentro de mí y deseo exhalarla sin esfuerzo, pero ahora apenas si puedo hacerlo; mis dedos se confunden unos con otros. Esto es realmente atemorizante y ya me ha causado mucho dolor.”

habitos de estudio

. Adoptar una correcta posición corporal en consonancia con la configuración del instrumento.
 .Conocer las características y posibilidades sonoras del instrumento, saber utilizarlas dentro de las exigencias del nivel, así como desarrollar hábitos de cuidado y mantenimiento del mismo.
. Adquirir una técnica básica que permita interpretar correctamente en público un repertorio integrado por obras o piezas de diferentes estilos, entre las que se incluyan algunas de autores
andaluces o de inspiración andaluza, de una dificultad acorde con este nivel, como solista y como miembro de un grupo.
. Adquirir y desarrollar hábitos de estudio básicos, correctos y eficaces.
. Conocer la técnica y los recursos para el control de la afinación del instrumento, en los casos en que su naturaleza así lo permita.
. Despertar en el alumnado el aprecio y el respeto por el arte de la música a través del conocimiento de su instrumento y de su literatura.
. Concebir la práctica instrumental como un medio para formar personas íntegras que aprecien y disfruten de la experiencia musical, incorporando estas vivencias a su propia cultura.
.Práctica de ejercicios de relajación y control muscular, de manera que permitan adoptar una postura adecuada del cuerpo, una correcta colocación del instrumento y la coordinación entre ambas manos. .Ejercicios de respiración (sin o con instrumento) para el desarrollo de la capacidad pulmonar.  .Fortalecimiento de los músculos faciales. Desarrollo de la flexibilidad de los labios, con la práctica de intervalos ligados y con posiciones fijas.  Estudio de la boquilla.  Utilización de instrumentos afines que, por tamaño, faciliten el posterior aprendizaje de la tuba, el trombón o de la trompeta.  .Principios básicos de la digitación.  Aprendizaje de los diversos modos de emisión y de articulación adecuados a las enseñanzas elementales.  Práctica de ejercicios que desarrollen la sensibilidad auditiva como premisa indispensable para la obtención de una buena calidad de sonido. .Técnicas y recursos para el control de la afinación.  Ejercicios para el desarrollo progresivo de la capacidad técnica del alumno o alumna: escalas, arpegios e intervalos, con diferentes articulaciones, velocidades, dinámicas y registros.  Entrenamiento permanente y progresivo de la memoria.  .Lectura a vista de obras o fragmentos sencillos.  Práctica de la improvisación libre basada en efectos tímbricos, agónicos, etc., y/o dirigida, sobre esquemas armónicos sencillos, motivos melódicos y rítmicos básicos.

REPERTORIO

• David, Ferdinad - Concertino Op. 4 (Muller)- Trombón y Piano
• Debussy, Claude - Beau Soir (Brown)- Trombón y Piano
• Debussy, Claude - Romance - Trombón y Piano
• Dewanger - Humoresque - Trombón y Piano
• Dubois, P.M.- Cortege - Trombón y Piano
• Dutilleux - Coral, Cadencia y Fuga - Trombón y Piano
• Fievet, P. - Leyenda Céltica - Trombón y Piano
• Bozza, E. - Ballade - Trombón y Piano
• Pryor, A. Campanas azules de Escocia
• Grondahl,Launy - Concierto para trombón y Orquesta
• Rimsky-Korsakov, Nicolai - Concierto para trombón
• Rota, Nino- Concierto para trombón y orquesta
• Tomasi, Henry- Concierto para trombón y orquesta
• Beethoven, Ludwig van - Trios Iguales
• Weber, Carl Maria- Romanza para Trombón y piano
• Howard, E. - Concierto para Trombón y orquesta
• Saint Saens, Camille - cavatine-concierto para trombón y piano
• Apres un reve- concierto para trombón y piano
• Ropartz, Guy - Pieza para trombón y piano
• Lieb, Richard - Concertino Basso - Trombón bajo y piano
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REGISTRO

El registro depende de la velocidad de la corriente de aire: a mayor velocidad se obtiene un registro más agudo y a menor velocidad un registro más grave. El desarrollo del registro por parte del alumno debe partir de la zona media y ampliarse en forma lenta, progresiva y simultánea hacia los registros grave y agudo. Este proceso no se debe llevar a cabo de manera forzada, puesto que REGISTRO O TESITURA se pueden generar lesiones físicas por abusos en la práctica. Vale anotar que entre los registros grave y pedal, hay un grupo de notas que no se producen. En el registro grave del trombón tenor-bajo, al accionar la válvula FA, se presenta una serie de notas que por razón acústica no se producen de modo natural en el trombón tenor (aún queda sin producir el SI natural).

TECNICA

Practica regularmente para incrementar tu rango de notas (es preferible una vez al día por, al menos, media hora) y aumenta la flexibilidad de tu labio moviéndolo de una nota a una más alta y de regreso, cada vez más rápido y trata de mantener un sonido uniforme. Mejora el tiempo que puedes contener la respiración practicando notas largas. Recuerda, los manuales de técnicas de trombón están disponibles en la mayoría de tiendas musicales. Si te tomas en serio el aprender a tocar trombón, es recomendable que las visites.

Incrementa tu capacidad pulmonar. Para hacer esto hay diferentes técnicas o actividades que puedes practicar. Ponte en forma, corre, monta bicicleta o nada. Cualquier actividad cardiovascular beneficiará tu talento. No solo eso, sino que los ejercicios para respirar ayudarán también. Si no puedes respirar apropiadamente, no serás capaz de lograr una nota soportada correctamente fuera del instrumento por largos periodos de tiempo. Hay muchos ejercicios que puedes revisar en internet y en manuales. Echa un vistazo.

EMBOCADURA

Lo primero que debe tenerse en cuenta es que el instrumento debe acercarse al músico y no el músico desplazarse hacia él; esto último genera una posición antinatural del cuello y la cabeza afectando, por consiguiente, la respiración y originando tensión corporal. La embocadura es la forma en que se dispone la colocación de los labios sobre la boquilla. Como soporte para la embocadura se necesita contar con una dentadura completa y de desarrollo normal. 

PRODUCCIÓN DE SONIDO

 Hay que recordar que el aire es el elemento que permite la producción de sonido en los instrumentos de viento. Ahora, se debe tener en cuenta que esta acción debe ser lograda de forma natural. Cuando una persona se encuentra en silencio, su rostro o máscara facial está en reposo. A partir de ese punto, simplemente se puede agregar la boquilla a los labios sin alterar dicho estado de relajación; luego, es posible soplar (se puede imaginar la acción de apagar una vela) en forma constante tratando de lograr una corriente de aire continua y compacta soportada por el diafragma (apoyo), teniendo cuidado de no dejar escapar aire por los extremos de los labios. Es posible que, dependiendo del grosor de los labios, éstos resulten más prácticos para una aplicación determinada como la especialización en trombón bajo para unos labios gruesos. 
El sonido se produce por la vibración creada en los labios debido al paso del aire; esta vibración se transmite al interior del instrumento y es proyectada por la campana en forma de onda sonora.

ARTICULACION

En el trombón de vara, el término articulación se refiere a alguna de las diversas acciones que se realizan sobre la columna de aire para provocar sutileza o dureza en la ejecución de cada nota. Existen cuatro tipos básicos de articulación: 1. Articulación suelta: Se logra por medio de la sílaba suave Tah ó Tuh. 2. Staccatto: Se obtiene con la silaba Ta de forma corta e incisiva, produciendo este mismo efecto sobre los sonidos. Este tipo de articulación se representa en la partitura mediante un punto ubicado por encima o por debajo de la nota afectada. 3. Ligado natural: El término ligado o legato hace referencia a la interpretación de un pasaje musical enlazando una nota con la siguiente y así sucesivamente, es decir, notas ejecutadas sin interrupción sonora. Se representa en la partitura mediante la ligadura, una línea curva que agrupa dos o más notas. Debido a la forma particular en que se modulan los sonidos en el trombón de vara, se encuentra una dificultad en la ejecución de algunos ligados. Cada nota de la primera serie armónica genera un cromatismo por otras seis posiciones en el trombón tenor y cada serie cromática de éstas representa un piso armónico o cromático . Entre pisos armónicos distintos se forma una barrera acústica que permite delimitar los sonidos; es entonces cuando se puede ligar con el aire sin necesidad de la lengua, bien sea entre posiciones diferentes o en una misma posición. En este caso, la nota inicial del ligado se articula como una nota suelta Tah y la(s) siguiente(s) con el aire Ha: Tah - Ha – Ha Como ya se había dicho, en la partitura se representa con un arco que cubre por encima o debajo las notas afectadas. 

LIGADO

Como entre las siete posiciones de un mismo piso armónico no se encuentran barreras físicas, al soplar y mover la vara simultáneamente no se puede delimitar cuándo termina una nota y comienza otra, por lo tanto se genera el efecto conocido como glisado. Este es el principal efecto del trombón, pero a la vez su mayor defecto, ya que el tocar sin poder delimitar los sonidos continuamente, produce un resultado desagradable y confuso al oído. Para poder ligar dos o más sonidos cuando se presenta esta situación, es necesario recurrir a la ayuda de la lengua o ligado de lengua (cuarto caso) para delimitar cada nota. Aquí, la nota inicial del ligado se debe articular como una nota suelta Tah y la(s) siguiente(s) con lengua suave Rah ó Dah: Tah - Rah - Rah ó Dah - Rah – Rah La representación ideal para este tipo de ligado sería con un arco que cubre las notas del ligado y un punto sobre cada una de las notas afectadas. En cualquier caso de articulación, se debe mantener una columna de aire constante para obtener un buen resultado musical.

FLEXIBILIDAD

Es un ejercicio técnico que puede ser utilizado en la expresión musical. De hecho, la flexibilidad de labios consiste en un ligado de aire realizado generalmente sobre una misma posición.

POSTURA

POSTURA
Básicamente cuando el tronco se encuentra libre de tensiones se obtiene una mejor función respiratoria. Tomando en cuenta que en los instrumentos de viento el aire es el elemento que permite la producción de sonido, es necesario disponer de una correcta postura corporal que permita el libre paso de la columna de aire. Para este efecto se deben considerar la relajación, la buena salud y la comodidad como requisitos importantes para evitar tensiones físicas
En pie, sentado o marchando, es necesario ubicar visualmente un punto fijo en el horizonte como referencia para no bajar la cabeza, la cual se debe sostener de modo recto con el cuello relajado para permitir el buen paso del aire a través de la garganta (abierta). El tronco debe estar relajado, con la columna recta pero sin tensión para no obstruir el sistema respiratorio. Las extremidades inferiores deben estar separadas a una distancia equivalente a la anchura de los hombros, conservándolas relajadas pero firmes y manteniendo el contacto de las plantas de los pies con el piso. En lo relacionado con las extremidades superiores, los codos se deben mantener separados del tronco para permitir un mejor desempeño del aparato respiratorio; hombros, brazos y manos deben estar relajados (éstas no deben presentar posiciones forzadas en sus muñecas). Generalmente, no se encuentran en nuestro medio sillas especialmente diseñadas para la actividad musical, por lo tanto es muy importante mantener la espalda retirada del espaldar al estar sentados tocando un instrumento de viento. El atril (uno por trombonista con su respectiva partitura) siempre deberá ser utilizado hacia el lado derecho porque, debido a la forma del instrumento, se dificulta la actividad musical al ubicarlo en otra posición.

Materiales del trombon

El trombón tiene una longitud de 270 cm. El tono de diseño común es B bemol. Si el tubo se hace más ancho respecto a su longitud, entonces los tonos de pedal suenan más fácilmente, pero las resonancias superiores son más difíciles de tocar. Un material de construcción común para los trombones es el latón amarillo (70% de cobre, zinc 30%), pero hay otras variaciones. Las varas se pueden fabricar de diversos materiales: níquel para las varas ligeras y rápidas, hasta combinaciones de latón y níquel, para las mas pesadas.

Que lugar opcupa el trombon en la orquesta

generalmente el trombón se ubica en la parte trasera en la mano derecha del director o en el medio en la parte de atras.